Het festijn van Herodes, Donatello rond 1435

Donatello, een van de grootste beeldhouwers uit de Renaissance, gebruikt hier de techniek rilievo stiacciato ('plat reliëf') die hij heeft uitgevonden. Op minder dan een centimeter dikte zet hij meerdere kundig uitgehouwen vlakken neer, soms nauwelijks gesuggereerd. Hij wendt de principes van perspectief aan die door Leon Battista Alberti worden uiteengezet in zijn traktaat De Pictura (1435). Hij stelt dus een decor samen dat is geïnspireerd op de klassieke architectuur en georganiseerd volgens een uiterst nauwkeurig schema van vluchtlijnen om de illusie van diepte op te wekken. In dit weelderige decor ontplooit het relaas zich over twee scènes. Het zijn twee episodes uit het leven van Johannes de Doper, de heilige die Jezus Christus doopte. Toen hij het incestueuze huwelijk van koning Herodes Antipas met zijn schoonzus Herodias aan de kaak stelde, werd Johannes de Doper gevangen genomen. Links zien we Salomé, dochter van Herodias, die danst voor de genodigden van een banket. De koning, onder de indruk, biedt haar om het even wat ze wenst aan als beloning. Op advies van haar moeder verzoekt ze om het hoofd van de heilige. De tragische ontknoping wordt aan de linkerkant voorgesteld: het hoofd van Johannes de Doper wordt gepresenteerd aan de koning in aanwezigheid van Salomé die zich afwendt van het onheil dat ze zelf heeft veroorzaakt! We weten niet wat de functie was van dit religieuze werk. Het is waarschijnlijk dat het was besteld door Cosimo de' Medici (1389-1464), de machtigste man van de Florentijnse Republiek en groot kunstliefhebber. Het wordt namelijk beschreven in de inventaris van de bezittingen van zijn kleinzoon Lorenzo I de' Medici in 1492. Aan de uitdrukking van de personages kan de beschouwer de actie herkennen en er de emotie van aflezen. Door het terugdeinzen van Herodias kunnen we blijven stilstaan bij de afgrijselijkheid van de scène die zich voor onze ogen afspeelt. Donatello is in staat om het reliëf van de achtergrond op nagenoeg onwaarneembare wijze te variëren: talloze details zijn op het eerste oog onzichtbaar.

De val van de verdoemden, Dirk Bouts (1450 of 1468)

De afbeelding van de verdoemden, opgepakt te midden van demonische schepsels, is veelvoorkomend in de XVe eeuw om de Onderwereld voor te stellen. De schilder is vernieuwend door deze te associëren met de voorstelling van diverse mishandelingen, zoals die beschreven in het Vagevuur van de heilige Patricius, een tekst die de reis van ridder Owein naar het Paradijs en de Onderwereld verhaalt. Hij associeert er het idee van de val mee, dat hij nog duidelijker maakt door de compositie, samengesteld rondom een verticale lijn. In de onderste helft van de afbeelding zinken de verdoemden, toegetakeld door de monsters, weg in de diepten van de aarde. Het vermengde lichaamsmagma vertaalt perfect het afschuwelijke aspect van de scène. Het visuele contrast met het zeer heldere paneel van het Paradijs, van dezelfde kunstenaar, wordt benadrukt door een radicaal ander palet: hier domineren de bruinige en grijsachtige kleurschakeringen en in mindere mate de koude tinten. Deze bovennatuurlijke visie, meesterwerk van de kunstenaar, heeft ongetwijfeld de zeer suggestieve werken van Jheronimus Bosch geïnspireerd. De Hel en Het Paradijs zijn mogelijk de delen van een triptiek dat het Laatste Oordeel voorstelt. Af en toe zijn ze vereenzelvigd met elementen van een compositie die is gerealiseerd voor het stadhuis van Leuven in 1468, hoewel de afmetingen van de panelen niet overeenkomen met die beschreven in de archieven...

De hemelvaart van de uitverkorenen, Dirk Bouts (1450 of 1468)

Het boek, het "Vagevuur van Saint Patrick", vertelt over de reis van Owein, een ridder die zich wil bekeren van zijn slechte daden. Hij gaat het vagevuur binnen, de ruimte waar de ziel van de christen wordt gezuiverd na de dood. Hij gaat dan door de hel en het aardse paradijs. Dit zijn de twee plekken die Dirk Bouts inspireerden voor zijn werken. Dus hier zijn we in het paradijs! De tekst beschrijft het als een groene plek, badend in licht, waarbinnen een berg toegang geeft tot de deur naar het hemelse paradijs, gesymboliseerd door een gat in de wolken. Alleen christenen die een rechtschapen en eerlijk leven hebben geleid -de uitverkorenen- hebben er toegang toe. Op de voorgrond leidt een engel een uitverkoren groep gekleed in eenvoudig wit linnen naar een fontein waaruit vier stromen stromen, een toespeling op de vier rivieren van het paradijs die in de Bijbel worden beschreven. Op de achtergrond gaan andere uitverkorenen richting een heuvel. Op de top zijn biddende figuren getuige van het oprijzen van de wolken van twee van hun metgezellen. De schilder rangschikt vakkundig elk lid van de hoofdgroep om de kijker het gevoel te geven dat hij deel uitmaakt van de compositie. Op deze manier kan de toeschouwer zich voorstellen dat hij in de plaats van de ridder is wanneer hij het paradijs ontdekt!

De kleuren van het landschap evolueren van groen naar bruin en vervolgens naar blauw, afhankelijk van de afstand. Dit atmosferische perspectief, typisch voor de Vlaamse schilderkunst, geeft diepte aan het beeld en nodigt het oog van de kijker uit om naar de hemel te stijgen, zoals de uitverkorenen! De virtuositeit van de schilder komt volledig tot uiting in de weergave van de engel: het verenkleed van de vleugels, de krullen van het haar, de goudsmeedwerkversiering van de kraag van de jas en de effecten moirés van de textiel zijn bedacht met gevoel voor observatie en detail, typisch voor de Vlaamse schilderkunst. Planten en dieren zijn getrouwe reproducties van bestaande soorten: elk detail toont de schoonheid van goddelijke schepping. De precisie in de weergave van plantensoorten roept de kunst van de gebroeders van Eyck op, in het bijzonder het beroemde altaarstuk van het mystieke lam bewaard in Gent (België).

De kruisafneming, Peter Paul Rubens circa 1615-1620

De Kruisafneming, heel vaak weergegeven in de XVIIe eeuw, is in meerdere versies geïnterpreteerd door Rubens. De versie in de kathedraal van Antwerpen is de beroemdste. De formule die hij gebruikt in het meesterwerk van Lille, ruimschoots geïmiteerd, geeft deze episode van de Evangeliën een hartverscheurende toon.

De volkstelling in Bethlehem, Pieter Brueghel de Jongere circa 1610-1620

Te midden van een besneeuwd landschap zijn de dorpelingen druk bezig. We bevinden ons in Vlaanderen, zoals blijkt uit de typisch Vlaamse trapgevel van het huis op de achtergrond. Een grote groep afgebeelde personen loopt naar een herberg op de voorgrond. Daar komt men de belastingen betalen, in geld of in natura: kippen, eieren, tarwe e.d. Maar dan komt er een merkwaardige groep naar voren. Een vrouw met blauwe kleding zit op een ezel en wordt vergezeld door een os en een man die een zaag draagt. Het gaat om de Maagd Maria en Jozef de timmerman, de ouders van Jezus. Ze komen, zoals voorgeschreven door de wet, om zich te laten registreren in hun stad van oorsprong. De schilder heeft ervoor gekozen om het tafereel in een voor hem bekende streek, Vlaanderen, te plaatsen, hoewel dit Bijbelse verhaal in Bethlehem, tegenwoordig Palestina, plaatsvindt. Hij heeft ervoor gekozen om deze personages die 1600 jaar voor hem hebben geleefd, in een hedendaagse omgeving te plaatsen, alsof het tafereel in zijn tijd heeft plaatsgevonden! De datum van de gebeurtenis staat niet vermeld, maar de Bijbel geeft voldoende informatie. Het is 24 december. Dit betekent dat Maria op het punt stond te bevallen! Pieter Brueghel de Jonge heeft minstens dertien versies van dit thema gerealiseerd, naar het onderwerp van zijn vader, Pieter Bruegel de Oudere. Maar daarmee was er nog geen schandaal geboren. In de 16e eeuw was het gebruikelijk voor kunstschilders die bij hetzelfde atelier hoorden en werkten, om hun onderwerpen onderling te lenen! Hebt u al de sladief opgespoord? Hij draagt een gele cape en een hoed en probeert discreet uit de tuin naast de rivier te stelen. Rechts onderaan op de compositie spelen kinderen een primitieve versie van onze moderne hockey en anderen glijden op een houten arrenslee of een met de kaken van een os gemaakte slee! 

Met dit schilderij uit 1895 pakt Renoir een thema op dat dierbaar is voor zijn vrienden Monet en Pissarro, die deze weg vijfentwintig jaar eerder verschillende keren schilderden. Dit is het bergafwaartse deel van de weg van Louveciennes naar Port-Marly. Het kleine silhouet dat we rechts zien is dat van Jeanne Baudot.

Pierre-Auguste Renoir heeft een zeer sterke band met Louveciennes. Zijn ouders, Léonard en Marguerite, verlieten Ville d'Avray in 1869 om zich in het dorp te vestigen en daar te blijven tot hun dood. Hij kwam vaak bij hen op bezoek en toonde Louveciennes aan Pissarro en Sisley. Renoir zal vele malen in Louveciennes blijven. Hij schilderde daar een aantal landschappen. Het moet echter worden erkend dat zijn schilderijen over Louveciennes bij lange na niet de hoge kwaliteit bereiken van die geschilderd door zijn vrienden Sisley, Pissarro of Monet.

Hij was enthousiast over Louveciennes, dat hij beschreef aan een vriend, de kunstcriticus, Gustave Geffroy: "Als je een van de mooiste landen wilt zien of terugzien op een uur van Parijs, kun je elke trein nemen vanaf Saint -Lazare station en kom 's ochtends en' s avonds erwten en lokale aardbeien eten. (1867) Een andere beschrijving ontleend aan Victorien Sardou, de toneelschrijver, geeft een indruk van de Louveciennes van deze periode (1867): “Aan de ene kant van de wijnstokken in rijen, aan de andere kant deze holte in overvloed van groen; aan de overkant, kleine huizen verloren in het gebladerte … en als kroon op het geheel, de prachtige arcades van het aquaduct die dit landschap een geweldige Italiaanse sfeer geven - Kortom, de heerlijkste aankomst van het land die men kan zien! - Welke kant je ook op kijkt, de landlijnen zijn verbonden door de zachtste golvingen en met de vrolijkste contrasten van licht en groen. Overal de ruimte, de frisse lucht, deze duizend landelijke geuren, deze grote stilte, vol verwarde geluiden... kortom, ik weet niet wat, die tegelijkertijd voortvloeit uit de lucht, uit de vrijmoedigheid van de wind , van de kreet van de vogel… en die je duidelijk vertelt “Hier is het echte dorp! Je kan binnenkomen ; doe je jas uit, als je heet bent - zing als je homo bent!

Deze beschrijving van Louveciennes mist de kastelen en grote residenties die behoren tot de hogere middenklasse beschut door hun stenen muren; ze zullen grotendeels worden genegeerd, het is waar, door de impressionisten.  

In het atelier, pose van het model Henri de Touluse-Lautrec 1885

Staande faun, Auguste Rodin (1840-1917)

Het is uitgehouwen in wit marmer .

Het kunstwerk toont de opvatting van een hybride natuurwezen dat half mens en half Ram is.

 H. cm: 65; L.cm: 35; Diepte in cm: 26; Gewicht in Kg: 15

Berthe Morisot en de waaier, Edouard Manet 1874

Dit intieme portret met een verrassende uitstraling is het portret van een kunstschilder door een andere kunstschilder. De kunstenares Berthe Morisot (1841-1895) was de vriendin en muze van Édouard Manet, die al met al twaalf portretten van haar maakte. Dit exemplaar is om twee redenen bijzonder ontroerend: het werd het laatste en de jonge vrouw bewaarde het haar hele leven in haar privécollectie.

Berthe Morisot is afgebeeld in een driekwart houding, ze heeft een waardige en trotse uitstraling en buigt met een spontaan gebaar haar linkerarm. Ze kijkt met een zekere guitigheid weg alsof ze haar vriend wilde beletten om een echt portret van haar te maken. De jonge vrouw is in het zwart gekleed, in rouw na de dood van haar vader. De waaier benadrukt haar vrouwelijkheid alsook de elegantie van haar lange kunstenaarshanden. Dit voorwerp geeft ook aan hoezeer Manet de meesters van de Spaanse schilderkunst zoals Vélasquez en Goya, bewonderde. De achtergrond is donker om de toeschouwer niet af te leiden. Een plantenmotief doet denken aan de op Japan geïnspireerde stijl die toen zeer geliefd was. De kleur zwart is overheersend. Deze kleur werd kenmerkend voor de stijl van Manet. Haar blik is oprecht, diepgaand en ook sensueel. Het is omdat, aldus Pau Valéry, "haar ogen haast te groot en zo machtig donker waren dat Manet , om de gehele duistere en magnetische kracht ervan vast te leggen, ze zwart heeft geschilderd en niet groenig zoals ze waren". 1874, het jaar waarin dit portret werd gerealiseerd, is een bijzonder jaar. In dat jaar trouwde Berthe Morisot met de broer van de kunstenaar, Eugène Manet. Dit was ook het jaar van de eerste tentoonstelling van de Impressionisten naast het Salon Officiel. De revolutie van de moderne kunst was begonnen en de kunstschilder en zijn model zijn twee boegbeelden hiervan.

Wat een lot had het schaalmodel van Lille! In de bijna drie eeuwen van zijn bestaan, werd deze grote maquette die diende voor de militaire strategie weggehaald, er werden delen verwijderd, hij werd slecht behandeld en hij was zelfs bijna verdwenen. Deze zeer bewogen geschiedenis maakt tegenwoordig deel uit van zijn rijkdom.

Het is 1948. Gaston Renault, vroegere conservator van het Musée des Plans-Reliefs in Parijs, komt aan bij het Zeughaus in Duitsland. Zijn missie is het terughalen van de schaalmodellen die zijn weggehaald door de Pruisen in 1815, met hulp van een daarvoor bestemde commissie. Als hij arriveert voor het imposante stenen gebouw, weet hij niet wat hij er zal aantreffen. Dit vroegere arsenaal dat is veranderd in een museum was ernstig gebombardeerd in de Tweede Wereldoorlog: wat was er geworden van de schaalmodellen? De constatering van de toestand daarvan was bedroevend: van de tientallen schaalmodellen die aan hun oorsprong waren ontstolen, kon alleen het schaalmodel van Lille worden meegenomen naar Frankrijk, de andere waren te zeer beschadigd. De maquette had echter wel ernstige schade ondergaan. Er was in 1903 bijna 48 m2 van verwijderd zodat het kon worden tentoongesteld op de kleine wanden van het Zeughaus. Meerdere gebouwen waren verdwenen, waarschijnlijk gevallen of gestolen. Het plan werd gerestaureerd ter gelegenheid van de renovatie van het museum van Lille, zo'n dertig jaar later. Door een gebrek aan informatie konden er slechts drieëntwintig gebouwen van de belangrijkste van stad worden gereconstrueerd. Ze werden uitgevoerd in gezand lood om te contrasteren met de traditionele materialen van de maquette en zo visueel een nieuwe etappe in de geschiedenis van het schaalmodel van Lille te markeren. Bewaargeving van het Musée des Plans-reliefs, Invalides, Parijs.

Maar waar is de kathedraal La Treille gebleven? Geen paniek, deze was in die tijd nog niet gebouwd. Op het plein verheft de Motte Madame zich. Deze is nu gesloopt. Rondom staan oude Rijselse huizen die er nog altijd zijn. (231 tekens) De burcht van Lille wordt gezien als het meesterwerk van Vauban, de koningin onder de burchten en nu nog in gebruik. De plattegrond staat in metaal op de grond van het atrium van het Museum voor Schone Kunsten van Lille. Een leuke knipoog van de architecten! (262 tekens)